Natureza Morta

Não há nenhum requisito real para o assunto quando se trata de pintura de vida ainda. As únicas duas coisas que você realmente precisa são quietude e vida ... e realmente, você (o artista) é quem cria a vida dentro da pintura. O verdadeiro desafio surge na criação de algo bonito e interessante de se observar a partir de objetos comuns. Os pintores holandeses e flamengos realmente decolaram com o gênero durante o século XVII, criando um significado a partir de objetos cotidianos aparentemente simples. Com a disseminação de novas religiões, o simbolismo e a natureza-morta adquiriram mais significado. O gênero não recebeu tanto respeito quanto outras paixões criativas, mas através da história cresceu na comunidade artística. As naturezas-mortas nunca exigiram algum significado simbólico maior. A forma é respeitada como um esforço difícil assumido pelos artistas contemporâneos de natureza morta. Criar belas composições a partir de um item comum requer alto nível de paixão e habilidade artísticas. O gênero evoluiu com o tempo, mas várias partes da natureza morta permanecem as mesmas. A maior semelhança de século para século - e a maior diferença - está sujeita. O assunto é a vida. Durante centenas de anos, flores, frutas, arquitetura e elementos mais comuns apareceram repetidas vezes. Os tempos mudam e os objetos mudam, mas a quietude e a beleza não mudam. Frutas e flores são sempre um bom lugar para começar, e uma boa maneira de aprender a criar ou observar uma grande natureza morta. Algo sobre a vivacidade e frescura de frutas e flores continua trazendo artistas de volta. Como o assunto é a parte mais importante de uma natureza morta, escolher o assunto certo para você é a melhor maneira de colocar a vida em uma natureza morta. Não existe um assunto chato - há sempre algumas maneiras de adicionar algum interesse às imagens. Como acontece com qualquer outra pintura, cores temáticas bonitas, iluminação dramática e um olho para a composição tornarão qualquer objeto cotidiano fascinante. Outro truque artístico é criar uma borda em torno da natureza morta. Foque os olhos no objeto e permita que o espectador passe mais tempo olhando mais de perto. A magia de uma natureza morta é que eles dão às pessoas a chance de olhar para objetos que normalmente alguém passaria. Um artista tem a oportunidade de transformar qualquer objeto regular em um belo ponto de interesse. Há algo de poderoso nisso e algo que exige respeito. Se você acha que certas pinturas estão faltando vida, talvez olhe para adicionar alguma natureza morta!

O assunto e o subtexto: Levando pinturas modernas de natureza-morta à luz

Retratos e pinturas de naturezas mortas definiram períodos de arte anteriores e nos forneceram um vislumbre inestimável da vida histórica, bem como a psicologia de seu povo na época. No entanto, o avanço da tecnologia levou à ampla adaptação das câmeras e, à medida que a fotografia cresceu, as pessoas começaram a abandonar a tela na preferência do filme. Isso levou a uma percepção de falta de inspiração moderna para os pintores de hoje, que se esforçam para capturar seu mundo através de pinceladas em vez de uma lente. No entanto, o meio não é a fonte de inspiração da vida em si, e há muito disso em todas as pinturas. Cada imagem capturada conta uma história, seja uma fotografia ou uma pintura. E para contar a história, os pintores têm a vantagem da criação e interpretação. Quando se trata de pinturas modernas de naturezas-mortas, você deve se perguntar que mensagem está tentando transmitir. O segredo de uma peça de sucesso não está no que você está pintando, mas no subtexto subjacente que os espectadores tiram dela. Técnica e assunto caminham lado a lado Embora seja importante selecionar a abordagem correta para sua natureza-morta moderna, o assunto real do seu projeto é igualmente o mesmo. Sem uma ideia clara em mente, mesmo a melhor pintura não conseguirá suscitar o tipo de emoção que um artista se esforça. A melhor prática é selecionar seu assunto primeiro, depois decidir sobre a técnica que você acha que melhor captará sua essência. O objetivo final é encontrar um equilíbrio entre estilo, técnica e assunto que permita transmitir uma mensagem através de pinceladas e paleta de cores que atinjam seu público imediatamente e deixe uma impressão persistente. Considere a história Pergunte a si mesmo porque escolheu o seu assunto. Após a primeira consideração, você pode simplesmente tê-lo escolhido por causa de sua beleza natural. A chave, no entanto, é mergulhar além de sua impressão inicial e desenterrar o segredo do apelo do seu assunto. Se você achar bonito, procure identificar os motivos. Depois de entender por que você é atraído por um assunto, você estará em uma posição muito melhor para saber como capturá-lo completamente.

Luz e Humor

Todos os artistas sabem que a luz tem um dos maiores (se não o maior) impacto na impressão final de uma pintura. Quando você escolhe uma iluminação, está decidindo o tipo de mensagem que deseja apresentar ao seu público. Não se sinta restrito a simplesmente brilhante e escuro; a luz é versátil e pode ser usada em uma infinidade de modas. Uma pintura escura com um foco ousado e brilhante em um único ponto pode transmitir esperança, enquanto sombras pesadas e destaques em uma cena de outra forma luminosa podem sugerir sombras escuras e significados ocultos. Em última análise, sua vida ainda não é apenas um momento congelado no tempo, mas uma história capturada através da cor. Você deve procurar criar uma peça que seja tão atraente quanto provocadora, e tudo isso começa desdobrando a mensagem que o sujeito está lhe enviando.

Fazendo uma aula de desenho figurativo? Não esqueça esses materiais!

O desenho figurativo é talvez a mais graciosa de todas as formas de arte. Envolve o desenho da forma humana, usando diferentes formas e posturas para capturar melhor sua beleza. É uma das formas mais antigas de capturar as pessoas como elas são e persistiu através dos tempos. Figura desenho pode ser expresso na forma de desenhos altamente detalhados, aqueles que são anatomicamente corretos, ou aqueles que são mais expressivos na natureza. A inspiração para o desenho de figuras também pode vir de várias formas, com fotografias e modelos ao vivo como um excelente exemplo. O desenho figurativo é, naturalmente, uma das formas de arte mais difíceis de dominar, e é por isso que temos aulas projetadas especificamente para ensinar as pessoas a fazê-lo. Se você planeja fazer uma aula de desenhos figurativos, precisará de alguns suprimentos. Assim como qualquer aula em qualquer escola, você precisará das ferramentas certas para concluir seus projetos. Embora as aulas de arte variem, algumas dessas ferramentas são bastante comuns entre professores e alunos e talvez sejam necessárias ... Ferramentas para desenhar com Em primeiro lugar, você provavelmente precisará de algumas ferramentas para desenhar. Estes podem assumir a forma de diferentes materiais, como os carvões vegetais (videira, vontade e carvão comprimido são exemplos primos) e são frequentemente encontrados em forma de lápis. Varetas de grafite, que são feitas dos mesmos materiais que os lápis, também podem ser usadas. Se você está procurando algo com um pouco de cor, pastéis secos (também conhecidos como giz de desenho) podem ser o que você está procurando. Pincéis e tintas Você também pode precisar de um pincel de aquarela e algumas tintas aquarela, que são ótimas para preencher seus desenhos. Pincéis de aquarela são normalmente com um bom ponto, mas eles também podem se espalhar, o que ajuda a adicionar largura. Tintas aquarela podem vir em diferentes formas, como em um bolo sólido em uma paleta que você pode molhar e mergulhar seu pincel, ou através de um tubo. Papel Embora pareça ser óbvio que o artigo deva estar disponível em qualquer sala de aula normal, na verdade, existem muitos tipos diferentes de papel que você precisa pensar antes de ir para sua primeira aula de desenhos figurativos. O papel varia de acordo com o tamanho necessário, mas normalmente você encontrará o papel nos cadernos de desenho ou esboço vinculados. O papel de desenho geralmente é mais fino que o papel de desenho, e você descobrirá que em alguns casos também é menos caro. Mais importante... Lembre-se, é uma aula de arte, então esteja preparado e leve a sério, mas o mais importante, divirta-se! Aproveite. O desenho figurativo pode ser difícil de dominar, mas a maioria das pessoas acha isso altamente recompensador.

Arte é vida e vida é tempo

Arte não é arte sem emoção. Simplesmente não pode existir sem emoção. 

Se uma escultura ou pintura não provocar uma emoção dentro do espectador, 

será apenas uma decoração de parede. É apenas algo bonito na parede. 

A arte deve nos agarrar e nos fazer sentir algo.

Essa emoção pode ser felicidade, tristeza, animosidade ou talvez uma mistura de vários. 

A emoção que a boa arte desperta é exigente e urgente. 

É um grito urgente que nos força a prestar atenção e contemplar o trabalho.

Emoções não são experiências estáticas e fugazes. Eles evoluem e mudam. 

Eles viajam conosco à medida que atravessamos nossas vidas e as pinturas modernas de naturezas-mortas 

precisam capturar o movimento do sujeito e o movimento das emoções. 

Quando refletimos sobre nossas vidas, não nos lembramos de nossas emoções a cada minuto. 

Nós nos lembramos das nossas emoções enquanto elas viajam conosco durante um período em nossas 

vidas.

Lembramo-nos da dor da perda de um ente querido e lembramos como ele 

chegou ao ponto de ter uma dor aguda e cortante no começo e se transformou em 

uma lembrança sombria da ausência com o passar do tempo. 

Momentos felizes em nossas vidas vêm como alegria renovada e se 

transformam em ampla nostalgia depois. As emoções se movem no tempo. 

Quando um artista captura emoção, eles capturam o tempo. Os artistas são encarregados

de fornecer um instantâneo do momento visual, bem como o subtexto emocional em

torno do assunto. Como um exemplo rudimentar, uma pintura moderna de natureza morta 

pode representar uma mesa com uma tigela de frutas. A emoção derramada na pintura

pelo artista pode transmitir uma mensagem sobre fome ou glutonaria. 

Uma tabela que parece grande demais para a quantidade de frutas pode indicar uma 

família que recentemente e infelizmente foi reduzida. A arte fala sobre o que está presente 

e o que está faltando. Em outro exemplo, um retrato não mostra apenas ao espectador como

 era a pessoa, mas onde ela está em sua vida e como ela se sente em relação a ela. 

O assunto é feliz ou triste? Eles estão ansiando por algo ou alguém? Eles se resignaram 

a suas vidas ou estão esperançosos pelo que pode acontecer? As respostas a essas 

perguntas são reveladas apenas no diálogo silencioso entre o artista e o espectador. 

Um artista retrata mais do que é visto. Arte encapsula a instância visual e o peso emocional

do momento. Capturar as emoções é o mesmo que capturar o tempo.

Mais artigos, mas sobre o sobre o universo feminino, você encontra nesse blog.

Dicas clássicas para inspiração para desenhar

A inspiração está em todo lugar. Não importa que tipo de artista você é, de pintor a escritor, 

a inspiração pode ser encontrada em qualquer lugar. Alguns acham isso na natureza; 

alguns o encontram nas cidades; alguns têm o propósito de criar desenhos figurativos 

detalhados; enquanto alguns tendem a se importar mais com o processo de ser criativo. 

A única coisa que permanece a mesma coisa é que os artistas são mais produtivos quando 

sabem encontrar e usar inspiração em torno deles. Se você está pronto para alguns desafios 

criativos, aqui estão alguns favoritos clássicos: 1. Olhe para as pessoas Há muitas maneiras 

de usar o ambiente para encontrar inspiração. Se você é o tipo de artista que gosta de buscar

inspiração ao ar livre, pode ir a um parque e observar as pessoas. Você pode observar suas 

interações uns com os outros, ou com seus filhos, ou até mesmo com seus animais de estimação

; você pode observá-los em contraste com o ambiente ao seu redor. Então, você pode usar as 

experiências dessas pessoas como inspiração para sua arte. Você pode pintá-los exatamente 

como você os vê, ou pode usar o que eles representam e inspirar-se na fusão da natureza 

com as pessoas.

2. Olhe para o horizonte Se você preferir observar um ambiente livre de coisas vivas, 
e apenas se concentrar em paisagens, você pode olhar para o horizonte. Não faz diferença 
se é o que você vê quando está olhando para o oceano ou o que você vê escondido atrás 
de arranha-céus em uma cidade grande, você pode usá-lo como inspiração e você pode chegar 
a algumas palavras para descrevê-lo. Depois de ter essas palavras, você pode pintar o que elas
representam para você, em vez do horizonte de onde você as derivou. 3. Olhe para os seus pés 
Se preferir ficar no conforto da sua casa, pode inspirar-se em coisas aleatórias da casa. 
Uma ideia é olhar para os próprios pés e os espaços entre eles. Você pode usar esses 
realces como pontos e pode desenhar uma imagem conectando esses pontos. Você também 
pode tentar conectar os pontos em qualquer outra coisa ao redor da casa e tirar uma foto deles
, das sombras que os móveis projetam no chão até os diferentes níveis das pinturas penduradas
 nas paredes. Existem várias outras ideias que podem ajudá-lo a encontrar inspiração. 
Tente esse: Pintar imagens encontradas nos espaços negativos entre edifícios Desenhe 
as coisas que você pensa quando assiste ao seu programa de TV favorito Crie uma cena 
de como você gostaria que um determinado livro tivesse terminado Analise o que foi feito no 
passado e crie sua própria opinião Ou você pode usar uma combinação de qualquer uma 
das coisas mencionadas acima e qualquer outra coisa que já tenha inspirado você. Não há 
ciência exata para encontrar inspiração; a única coisa que é necessária é que você nunca 
pare de procurar por ela. Enquanto você continuar procurando, você certamente encontrará 
inspiração em todos os lugares.

Respirando a vida em naturezas-mortas

Natureza morta é um gênero de arte que tem prevalecido no mundo da arte desde a Idade Média e

a antiga era greco-romana. Enquanto os estilos podem mudar a cada época, a simplicidade 

da natureza morta o trouxe através dos séculos.

Mas com um gênero que sobreviveu por tanto tempo, os artistas da vida ainda devem ser capazes

de trazer algo novo para cada um de seus trabalhos. Dentro da simplicidade do gênero está a 

oportunidade de criar uma arte nova e revigorante.

Aqui estão algumas maneiras para os artistas contemporâneos ainda poderem respirar o máximo

de suas vidas em sua natureza morta ...

Abrace sua própria perspectiva

Still life é a preservação de um objeto ou imagem, capturando-o e tornando-o seu. 

Duas pessoas não terão a mesma experiência ao olhar para um objeto. O espectador traz suas 

próprias emoções e história únicas para a experiência.

Ao pintar ou desenhar uma natureza morta, é importante que você não perca o que torna sua 

experiência única ao visualizar o objeto. Se você está pintando girassóis, por exemplo, 

não basta pintar o girassol, mas a maneira como você se sente quando vê o girassol. Você pode fazer 

isso de maneiras diferentes, por meio de cor, pincelada, intensidade, qualquer método que lhe 

parecer mais adequado.

Em outras palavras: confie em seus instintos. (Isso pode parecer óbvio, mas muitos artistas 

podem se envolver em técnicas excessivas.

Descobrir o significado mais profundo

Ao criar um novo trabalho, escolha um assunto que tenha significado para você - ou, 

salvo isso, imprima seu assunto com o significado de seu próprio design.

Você deve procurar levar seu espectador aonde você for quando criou sua arte. Você quer 

que eles sintam os sentimentos que você estava sentindo: tristeza, esperança, desespero, 

o que quer que eles sejam. Você poderia estar pintando uma natureza morta da garrafa de vinho 

que acabou de terminar, depois de economizar por anos desde o dia do seu casamento. 

Você deve transmitir ao seu espectador o sabor do vinho em seus lábios, a sensação da garrafa 

quando estava em sua mão e a lembrança da noite de núpcias, seja alegria ou tristeza.

Seja o que for que o assunto lhe traga à mente, deixe que isso leve o esforço de comunicar seu 

significado para seus espectadores.

Sempre seja você

Se você tirar sua vida e sua história e colocá-la em seu trabalho, sua arte sempre será única. 

Duas maçãs diferentes, tiradas de duas pessoas diferentes, terão a mesma aparência, se todo o 

desenho do artista for a maçã, a pele e o caule.

No entanto, se os artistas colocarem suas memórias nas maçãs, através do tom, das camadas, 

das cores usadas e das sombras, as maçãs parecerão diferentes. A fruta acabada transmitirá a 

experiência do artista à maçã, se for sua fruta favorita ou se pensarem na maçã apenas como algo

destinado a apodrecer.

Bem Vind@

Meu nome é Valéria Chatro e esse blog é fruto de minhas vivências.
Amo pintar e estudo artes plásticas para viver de minha arte.

Além disso, sou fã de compras online.

Costumo comprar muito pela internet, de batom a sofá. 

E gostaria de dividir nesse blog minhas experiências pelo mundo online e pelo universo da arte.

E assim surgiu esse blog, tive a ideia de criar um canal para compartilhar e dar todas as dicas sobre minhas experiências.