Não há nenhum requisito real para o assunto
quando se trata de pintura de vida ainda. As únicas duas coisas que você
realmente precisa são quietude e vida ... e realmente, você (o artista) é quem
cria a vida dentro da pintura. O verdadeiro desafio surge na criação de algo
bonito e interessante de se observar a partir de objetos comuns. Os pintores
holandeses e flamengos realmente decolaram com o gênero durante o século XVII,
criando um significado a partir de objetos cotidianos aparentemente simples.
Com a disseminação de novas religiões, o simbolismo e a natureza-morta
adquiriram mais significado. O gênero não recebeu tanto respeito quanto outras
paixões criativas, mas através da história cresceu na comunidade artística. As
naturezas-mortas nunca exigiram algum significado simbólico maior. A forma é
respeitada como um esforço difícil assumido pelos artistas contemporâneos de
natureza morta. Criar belas composições a partir de um item comum requer alto
nível de paixão e habilidade artísticas. O gênero evoluiu com o tempo, mas
várias partes da natureza morta permanecem as mesmas. A maior semelhança de
século para século - e a maior diferença - está sujeita. O assunto é a vida.
Durante centenas de anos, flores, frutas, arquitetura e elementos mais comuns
apareceram repetidas vezes. Os tempos mudam e os objetos mudam, mas a quietude
e a beleza não mudam. Frutas e flores são sempre um bom lugar para começar, e
uma boa maneira de aprender a criar ou observar uma grande natureza morta. Algo
sobre a vivacidade e frescura de frutas e flores continua trazendo artistas de
volta. Como o assunto é a parte mais importante de uma natureza morta, escolher
o assunto certo para você é a melhor maneira de colocar a vida em uma natureza
morta. Não existe um assunto chato - há sempre algumas maneiras de adicionar
algum interesse às imagens. Como acontece com qualquer outra pintura, cores
temáticas bonitas, iluminação dramática e um olho para a composição tornarão
qualquer objeto cotidiano fascinante. Outro truque artístico é criar uma borda
em torno da natureza morta. Foque os olhos no objeto e permita que o espectador
passe mais tempo olhando mais de perto. A magia de uma natureza morta é que
eles dão às pessoas a chance de olhar para objetos que normalmente alguém passaria.
Um artista tem a oportunidade de transformar qualquer objeto regular em um belo
ponto de interesse. Há algo de poderoso nisso e algo que exige respeito. Se
você acha que certas pinturas estão faltando vida, talvez olhe para adicionar
alguma natureza morta!
Dia a dia
quarta-feira, 7 de novembro de 2018
O assunto e o subtexto: Levando pinturas modernas de natureza-morta à luz
Retratos e pinturas de naturezas mortas definiram períodos de
arte anteriores e nos forneceram um vislumbre inestimável da vida histórica,
bem como a psicologia de seu povo na época. No entanto, o avanço da tecnologia
levou à ampla adaptação das câmeras e, à medida que a fotografia cresceu, as
pessoas começaram a abandonar a tela na preferência do filme. Isso levou a uma
percepção de falta de inspiração moderna para os pintores de hoje, que se
esforçam para capturar seu mundo através de pinceladas em vez de uma lente. No
entanto, o meio não é a fonte de inspiração da vida em si, e há muito disso em
todas as pinturas. Cada imagem capturada conta uma história, seja uma
fotografia ou uma pintura. E para contar a história, os pintores têm a vantagem
da criação e interpretação. Quando se trata de pinturas modernas de
naturezas-mortas, você deve se perguntar que mensagem está tentando transmitir.
O segredo de uma peça de sucesso não está no que você está pintando, mas no
subtexto subjacente que os espectadores tiram dela. Técnica e assunto caminham
lado a lado Embora seja importante selecionar a abordagem correta para sua
natureza-morta moderna, o assunto real do seu projeto é igualmente o mesmo. Sem
uma ideia clara em mente, mesmo a melhor pintura não conseguirá suscitar o tipo
de emoção que um artista se esforça. A melhor prática é selecionar seu assunto
primeiro, depois decidir sobre a técnica que você acha que melhor captará sua
essência. O objetivo final é encontrar um equilíbrio entre estilo, técnica e
assunto que permita transmitir uma mensagem através de pinceladas e paleta de
cores que atinjam seu público imediatamente e deixe uma impressão persistente.
Considere a história Pergunte a si mesmo porque escolheu o seu assunto. Após a
primeira consideração, você pode simplesmente tê-lo escolhido por causa de sua
beleza natural. A chave, no entanto, é mergulhar além de sua impressão inicial
e desenterrar o segredo do apelo do seu assunto. Se você achar bonito, procure
identificar os motivos. Depois de entender por que você é atraído por um
assunto, você estará em uma posição muito melhor para saber como capturá-lo
completamente.
Luz e Humor
Todos os artistas sabem que a luz tem um dos maiores (se não o maior) impacto
na impressão final de uma pintura. Quando você escolhe uma iluminação, está
decidindo o tipo de mensagem que deseja apresentar ao seu público. Não se sinta
restrito a simplesmente brilhante e escuro; a luz é versátil e pode ser usada
em uma infinidade de modas. Uma pintura escura com um foco ousado e brilhante
em um único ponto pode transmitir esperança, enquanto sombras pesadas e
destaques em uma cena de outra forma luminosa podem sugerir sombras escuras e
significados ocultos. Em última análise, sua vida ainda não é apenas um momento
congelado no tempo, mas uma história capturada através da cor. Você deve
procurar criar uma peça que seja tão atraente quanto provocadora, e tudo isso
começa desdobrando a mensagem que o sujeito está lhe enviando.
Fazendo uma aula de desenho figurativo? Não esqueça esses materiais!
O desenho figurativo é talvez a mais graciosa
de todas as formas de arte. Envolve o desenho da forma humana, usando
diferentes formas e posturas para capturar melhor sua beleza. É uma das formas
mais antigas de capturar as pessoas como elas são e persistiu através dos
tempos. Figura desenho pode ser expresso na forma de desenhos altamente
detalhados, aqueles que são anatomicamente corretos, ou aqueles que são mais
expressivos na natureza. A inspiração para o desenho de figuras também pode vir
de várias formas, com fotografias e modelos ao vivo como um excelente exemplo.
O desenho figurativo é, naturalmente, uma das formas de arte mais difíceis de
dominar, e é por isso que temos aulas projetadas especificamente para ensinar
as pessoas a fazê-lo. Se você planeja fazer uma aula de desenhos figurativos,
precisará de alguns suprimentos. Assim como qualquer aula em qualquer escola,
você precisará das ferramentas certas para concluir seus projetos. Embora as
aulas de arte variem, algumas dessas ferramentas são bastante comuns entre
professores e alunos e talvez sejam necessárias ... Ferramentas para desenhar
com Em primeiro lugar, você provavelmente precisará de algumas ferramentas para
desenhar. Estes podem assumir a forma de diferentes materiais, como os carvões vegetais
(videira, vontade e carvão comprimido são exemplos primos) e são frequentemente
encontrados em forma de lápis. Varetas de grafite, que são feitas dos mesmos
materiais que os lápis, também podem ser usadas. Se você está procurando algo
com um pouco de cor, pastéis secos (também conhecidos como giz de desenho)
podem ser o que você está procurando. Pincéis e tintas Você também pode
precisar de um pincel de aquarela e algumas tintas aquarela, que são ótimas
para preencher seus desenhos. Pincéis de aquarela são normalmente com um bom
ponto, mas eles também podem se espalhar, o que ajuda a adicionar largura.
Tintas aquarela podem vir em diferentes formas, como em um bolo sólido em uma
paleta que você pode molhar e mergulhar seu pincel, ou através de um tubo.
Papel Embora pareça ser óbvio que o artigo deva estar disponível em qualquer
sala de aula normal, na verdade, existem muitos tipos diferentes de papel que
você precisa pensar antes de ir para sua primeira aula de desenhos figurativos.
O papel varia de acordo com o tamanho necessário, mas normalmente você
encontrará o papel nos cadernos de desenho ou esboço vinculados. O papel de
desenho geralmente é mais fino que o papel de desenho, e você descobrirá que em
alguns casos também é menos caro. Mais importante... Lembre-se, é uma aula de
arte, então esteja preparado e leve a sério, mas o mais importante, divirta-se!
Aproveite. O desenho figurativo pode ser difícil de dominar, mas a maioria das
pessoas acha isso altamente recompensador.
Arte é vida e vida é tempo
Arte não é arte sem emoção. Simplesmente não pode existir sem emoção.
Se uma escultura ou pintura não provocar uma emoção dentro do espectador,
será apenas uma decoração de parede. É apenas algo bonito na parede.
A arte deve nos agarrar e nos fazer sentir algo.
Essa emoção pode ser felicidade, tristeza, animosidade ou talvez uma mistura de vários.
A emoção que a boa arte desperta é exigente e urgente.
É um grito urgente que nos força a prestar atenção e contemplar o trabalho.
Emoções não são experiências estáticas e fugazes. Eles evoluem e mudam.
Eles viajam conosco à medida que atravessamos nossas vidas e as pinturas modernas de naturezas-mortas
precisam capturar o movimento do sujeito e o movimento das emoções.
Quando refletimos sobre nossas vidas, não nos lembramos de nossas emoções a cada minuto.
Nós nos lembramos das nossas emoções enquanto elas viajam conosco durante um período em nossas
vidas.
Lembramo-nos da dor da perda de um ente querido e lembramos como ele
chegou ao ponto de ter uma dor aguda e cortante no começo e se transformou em
uma lembrança sombria da ausência com o passar do tempo.
Momentos felizes em nossas vidas vêm como alegria renovada e se
transformam em ampla nostalgia depois. As emoções se movem no tempo.
Quando um artista captura emoção, eles capturam o tempo. Os artistas são encarregados
de fornecer um instantâneo do momento visual, bem como o subtexto emocional em
torno do assunto. Como um exemplo rudimentar, uma pintura moderna de natureza morta
pode representar uma mesa com uma tigela de frutas. A emoção derramada na pintura
pelo artista pode transmitir uma mensagem sobre fome ou glutonaria.
Uma tabela que parece grande demais para a quantidade de frutas pode indicar uma
família que recentemente e infelizmente foi reduzida. A arte fala sobre o que está presente
e o que está faltando. Em outro exemplo, um retrato não mostra apenas ao espectador como
era a pessoa, mas onde ela está em sua vida e como ela se sente em relação a ela.
O assunto é feliz ou triste? Eles estão ansiando por algo ou alguém? Eles se resignaram
a suas vidas ou estão esperançosos pelo que pode acontecer? As respostas a essas
perguntas são reveladas apenas no diálogo silencioso entre o artista e o espectador.
Um artista retrata mais do que é visto. Arte encapsula a instância visual e o peso emocional
do momento. Capturar as emoções é o mesmo que capturar o tempo.
Mais artigos, mas sobre o sobre o universo feminino, você encontra nesse blog.
Dicas clássicas para inspiração para desenhar
A inspiração está em todo lugar. Não importa que tipo de artista você é, de pintor a escritor,
a inspiração pode ser encontrada em qualquer lugar. Alguns acham isso na natureza;
alguns o encontram nas cidades; alguns têm o propósito de criar desenhos figurativos
detalhados; enquanto alguns tendem a se importar mais com o processo de ser criativo.
A única coisa que permanece a mesma coisa é que os artistas são mais produtivos quando
sabem encontrar e usar inspiração em torno deles. Se você está pronto para alguns desafios
criativos, aqui estão alguns favoritos clássicos: 1. Olhe para as pessoas Há muitas maneiras
de usar o ambiente para encontrar inspiração. Se você é o tipo de artista que gosta de buscar
inspiração ao ar livre, pode ir a um parque e observar as pessoas. Você pode observar suas
interações uns com os outros, ou com seus filhos, ou até mesmo com seus animais de estimação
; você pode observá-los em contraste com o ambiente ao seu redor. Então, você pode usar as
experiências dessas pessoas como inspiração para sua arte. Você pode pintá-los exatamente
como você os vê, ou pode usar o que eles representam e inspirar-se na fusão da natureza
com as pessoas.
2. Olhe para o horizonte Se você preferir observar um ambiente livre de coisas vivas,
e apenas se concentrar em paisagens, você pode olhar para o horizonte. Não faz diferença
se é o que você vê quando está olhando para o oceano ou o que você vê escondido atrás
de arranha-céus em uma cidade grande, você pode usá-lo como inspiração e você pode chegar
a algumas palavras para descrevê-lo. Depois de ter essas palavras, você pode pintar o que elas
representam para você, em vez do horizonte de onde você as derivou. 3. Olhe para os seus pés
Se preferir ficar no conforto da sua casa, pode inspirar-se em coisas aleatórias da casa.
Uma ideia é olhar para os próprios pés e os espaços entre eles. Você pode usar esses
realces como pontos e pode desenhar uma imagem conectando esses pontos. Você também
pode tentar conectar os pontos em qualquer outra coisa ao redor da casa e tirar uma foto deles
, das sombras que os móveis projetam no chão até os diferentes níveis das pinturas penduradas
nas paredes. Existem várias outras ideias que podem ajudá-lo a encontrar inspiração.
Tente esse: Pintar imagens encontradas nos espaços negativos entre edifícios Desenhe
as coisas que você pensa quando assiste ao seu programa de TV favorito Crie uma cena
de como você gostaria que um determinado livro tivesse terminado Analise o que foi feito no
passado e crie sua própria opinião Ou você pode usar uma combinação de qualquer uma
das coisas mencionadas acima e qualquer outra coisa que já tenha inspirado você. Não há
ciência exata para encontrar inspiração; a única coisa que é necessária é que você nunca
pare de procurar por ela. Enquanto você continuar procurando, você certamente encontrará
inspiração em todos os lugares.
Respirando a vida em naturezas-mortas
Natureza morta é um gênero de arte que tem prevalecido no mundo da arte desde a Idade Média e
a antiga era greco-romana. Enquanto os estilos podem mudar a cada época, a simplicidade
da natureza morta o trouxe através dos séculos.
Mas com um gênero que sobreviveu por tanto tempo, os artistas da vida ainda devem ser capazes
de trazer algo novo para cada um de seus trabalhos. Dentro da simplicidade do gênero está a
oportunidade de criar uma arte nova e revigorante.
Aqui estão algumas maneiras para os artistas contemporâneos ainda poderem respirar o máximo
de suas vidas em sua natureza morta ...
Abrace sua própria perspectiva
Still life é a preservação de um objeto ou imagem, capturando-o e tornando-o seu.
Duas pessoas não terão a mesma experiência ao olhar para um objeto. O espectador traz suas
próprias emoções e história únicas para a experiência.
Ao pintar ou desenhar uma natureza morta, é importante que você não perca o que torna sua
experiência única ao visualizar o objeto. Se você está pintando girassóis, por exemplo,
não basta pintar o girassol, mas a maneira como você se sente quando vê o girassol. Você pode fazer
isso de maneiras diferentes, por meio de cor, pincelada, intensidade, qualquer método que lhe
parecer mais adequado.
Em outras palavras: confie em seus instintos. (Isso pode parecer óbvio, mas muitos artistas
podem se envolver em técnicas excessivas.
Descobrir o significado mais profundo
Ao criar um novo trabalho, escolha um assunto que tenha significado para você - ou,
salvo isso, imprima seu assunto com o significado de seu próprio design.
Você deve procurar levar seu espectador aonde você for quando criou sua arte. Você quer
que eles sintam os sentimentos que você estava sentindo: tristeza, esperança, desespero,
o que quer que eles sejam. Você poderia estar pintando uma natureza morta da garrafa de vinho
que acabou de terminar, depois de economizar por anos desde o dia do seu casamento.
Você deve transmitir ao seu espectador o sabor do vinho em seus lábios, a sensação da garrafa
quando estava em sua mão e a lembrança da noite de núpcias, seja alegria ou tristeza.
Seja o que for que o assunto lhe traga à mente, deixe que isso leve o esforço de comunicar seu
significado para seus espectadores.
Sempre seja você
Se você tirar sua vida e sua história e colocá-la em seu trabalho, sua arte sempre será única.
Duas maçãs diferentes, tiradas de duas pessoas diferentes, terão a mesma aparência, se todo o
desenho do artista for a maçã, a pele e o caule.
No entanto, se os artistas colocarem suas memórias nas maçãs, através do tom, das camadas,
das cores usadas e das sombras, as maçãs parecerão diferentes. A fruta acabada transmitirá a
experiência do artista à maçã, se for sua fruta favorita ou se pensarem na maçã apenas como algo
destinado a apodrecer.
Bem Vind@
Meu nome é Valéria Chatro e esse blog é fruto de minhas vivências.
Amo pintar e estudo artes plásticas para viver de minha arte.
Amo pintar e estudo artes plásticas para viver de minha arte.
Além disso, sou fã de compras online.
Costumo comprar muito pela internet, de batom a sofá.
E gostaria de dividir nesse blog minhas experiências pelo mundo online e pelo universo da arte.
E assim surgiu esse blog, tive a ideia de criar um canal para compartilhar e dar todas as dicas sobre minhas experiências.
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